Quelqu’un se souvient-il de « Somewhere » de Sofia Coppola ? Où était la petite princesse de Hollywood pendant la « Oscar Season 2010″ ? N’oublions pas que son (très beau) film avait été couronné meilleur film au festival de Venise de l’année dernière. Et Focus Features, la société de production et de distribution derrière le film est connue pour la qualité de ses choix risqués (The Kids are Alright, Milk, The Pianist) et son soutien indéniable pendant la campagne de promotion qui s’étend de septembre à fin décembre aux Etats-Unis. Alors ?

A la vision de « Somewhere » à Venise, beaucoup y ont vu un retour aux sources pour Coppola. Après le débacle de « Marie-Antoinette », son nouveau film revenait à un esprit plus indépendant, plus « low budget » et surtout beaucoup moins tapageur que la biographie rêvée de la dernière reine de France. « Somewhere » frappait par sa mise en scène radicalement minimaliste, d’une élégance modeste à la limite de l’abstraction formelle. L’histoire d’une star Hollywoodienne, un peu en fin de carrière et beaucoup en début de crise existentielle, en week-end avec sa fille pré-adolescente au Château Marmont (le célèbre repère de stars à à Beverly Hills) est observée à travers un prisme que Sofia Coppola connaît par coeur : Hollywood et sa vie artificielle, faite de stress et de strass, de faux soucis et de vrai ennui.

Une non-histoire, tellement la réalisatrice s’attache à filmer les regards, les non-dits, le mal-être invisible de ses protagonistes. Une histoire Hollywoodienne, un peu trop radicale, presque trop européenne somme toute pour le public et les critiques américains. Et à coté, dans la shortlist des nommés aux Oscars 2011, tout ce dont raffole les votants à l’Académie des Arts et des Sciences du cinéma : un drame historique (Le Discours d’un roi) un western initiatique (True Grit)… et une comédie de mères lesbiennes (The Kids are Alright) ???

En réalité Focus Features a dès septembre 2010 été face à un dilemme de taille car la société s’est retrouvée avec 2 films à potentiel « oscarisable ». D’un coté le film de Coppola et sa surprenante coupe Volpi à Venise et de l’autre « The Kids are alright » de Lisa Chodolenko ou la chronique d’un couple de lesbiennes qui élèvent leurs 2 enfants. Ce dernier film a fait son petit bout de chemin depuis le festival de Sundance où il a été projeté en février 2010, créant un buzz énorme autour de lui. Comédie réjouissante d’une famille moderne et alternative, le film a été jugé par Focus Features moins « risqué » à promouvoir que « Somewhere ». Car au final, sous son vernis politiquement incorrect et osé, « The Kids are Alright » n’en demeure pas moins une comédie familiale assez conventionnelle qui calque son modus operandi sur des classiques comiques. Le coté gay et l’humour débridé en plus.  »The Kids are Alright » a finalement récolté le Golden Globe de la meileure comédie, reçu 3 nominations aux Oscars… et récolté dans les 50 millions de $ de recettes dans le monde. « Somewhere », pas plus de 12.

Pari financier, pari gagné ? N’en déplaise au Marketing de Focus, ils ont parié sur un film, certes de qualité mais au faux anti-conformisme. Pas si étrange ou étonnant quand le très conventionnel, voire académique « Discours d’un Roi » est sacré meilleur film de l’année face à un « Black Swan » osé, un « Social Network » bien contemporain ou un « True Grit » moins classique qu’il ne parait. Alors, L’existentialisme et l’ennui élégants de « Somewhere » trop pointus pour Hollywood…. ? Ou victoire du classicisme sur l’avant-garde et la modernité?

C’est la crise; l’économie est en berne; les grèves à répétition; les syndicats de plus en plus revendicateurs, les salariés séquestrent leurs supérieurs.. Bienvenue en 1977! Bienvenue dans le monde parallèle de « Potiche », le dernier film du trublion François Ozon.

Potiche: nom féminin. Grand vase de porcelaine, de grès ou de faïence ou au sens figuré, personne ayant un rôle de représentation mais sans pouvoir réel. C’est le cas de Suzanne Pujol, épouse-bibelot de Robert Pujol, patron d’une fabrique de parapluies et futur candidat à la séquestration par ses employés furieux, mère-babiole de deux enfants, une chipie faussement libérée et un fils à maman vraiment nunuche. Le bonheur. Mme Pujol fait partie des meubles, écrit des poèmes très cucul la praline et aucun cheveu ne dépasse de son brushing parfait. La joie. Mais elle ne réalise pas encore que sa vie est, au mieux, creuse… Jusqu’au jour où Suzanne doit remplacer Robert à la tête de l’entreprise suite à un conflit social qu’il a provoqué et qui dégénère. Potiche oui, mais plus pour longtemps.

« Potiche » est drôle, très drôle. Tout d’abord parce qu’Ozon parsème cette farce rigolote et enlevée de références aux résonances bien contemporaines. Robert Pujol (excellent Fabrice Luchini) a des répliques qui rappellent un certain président de la République Française (de déclarations grandiloquentes en dérapages..) , les syndicats grévistes semblent sortis du dernier reportage du journal télévisé de France 2.  C’est très très drôle surtout grâce aux acteurs dirigés d’une main de maître. Les films d’Ozon ne sont pas toujours tous réussis, mais tous bénéficient d’une direction d’acteurs irréprochable & « Potiche » ne fait pas exception. Luchini en fait des tonnes sans sombrer dans le cabotinage, Judith Godrèche (Mlle Pujol) tire le meilleur parti (de rire) de sa coiffure à la Farah Fawcett et Jérémie Régnier (Pujol Junior), tout le temps au bord du coming-out, joue à merveille de sa ressemblance avec Claude François. On savait Karin Viard une excellente actrice comique, elle le prouve encore une fois en secrétaire plus que dévouée et fraîchement féministe.

Et puis, il y a le couple-star au centre de tout ce beau monde: Deneuve et Depardieu. Si, au fil des ans, l’une a abusé du botox et l’autre du foie gras, il restent deux formidables acteurs qui n’ont vraiment pas froid aux yeux. Deneuve n’hésite pas à se parader en jogging rouge et filet à la tête, Depardieu promène sa bedaine imposante sur une piste de danse disco le plus naturellement du monde. Les deux « se lâchent », s’amusent et se moquent allègrement de leur image de star-icône. Rares sont les stars d’aujourd’hui qui se risqueraient à un tel jeu de dérision et de second degré.

C’est toujours la crise et les syndicats n’en démordent toujours pas. On n’a plus séquestré de patron depuis quelque temps, mais qui sait? En ces moments troubles, le meilleur remède est peut-être d’en rire et Ozon ne s’en prive pas. Tour à tour vaudeville, manifeste féministe voire parfois farce politique (bien actuelle malgré tout..), « Potiche » n’en demeure pas moins une excellente comédie légère, coquine et… mais pas cruche du tout!

THE SOCIAL NETWORK

« Comment ça, tu n’es pas sur Facebook? »  Non. « Mais t’as pas d’amis? » Si.

Qui aujourd’hui n’est pas, ose ne pas être sur Facebook? Le réseau social mondial le plus développé, le plus addictif a envahi la sphère privée de 500 millions d’utilisateurs dans le monde en à peine 6 ans depuis sa création en 2004. Amis, parents, célébrités, politiciens, tout le monde est « connecté » à tout le monde. Pour rester en contact, pour tromper sa solitude…En permanence.

Dans « The Social Network », son nouveau film, David Fincher se penche après « The curious case of Benjamin Button » & « Zodiac » sur un autre anti-héros à la solitude inexorable: Mark Zuckerberg, étudiant à Harvard grâce à qui (ou à cause de, c’est selon les opinions) le monde entier est devenu un petit village virtuel. Le jeune Mark est un « geek » se voyant refuser l’entrée aux fameuses « fraternities » (communautés étudiantes typiques des universités américaines) et vraiment coincé avec les filles. Une rupture amoureuse & quelques bières plus tard, Mark crée accidentellement l’embryon de Facebook. Entre ce moment-là et 2010, trahison(s) , argent (beaucoup, beaucoup d’argent), procès jalonneront le chemin de ce surdoué en informatique à la vision du monde controversée et aux scrupules plus ou moins douteuses.

Le plus fascinant dans le film de Fincher est moins le portrait de Zuckerberg que le portrait d’une nouvelle génération dans un monde en perpétuelle métamorphose, métamorphose dont elle n’a cesse de modeler furieusement les aspects délétères selon son envie. Autour de Mark gravite une jeunesse d’une grande vacuité et de plus en plus sous pression: celle de réussir et surtout de faire partie d’une communauté. A croire que l’identité individuelle n’a plus d’importance, ce qui compte c’est d’être « reconnu », assimilé, étiqueté. L’appartenance à un groupe pour mieux ou complètement se définir et « vivre », la communauté seul portail de reconnaissance sociale… Un autre rêve américain bâti sur des traditions ancrées dans la culture collective américaine et véritable passage obligé pour tous ces étudiants. Le meilleur ami de Mark, Eduardo Saverin tente d’entrer dans une « fraternity », son admission semblant presque plus importante que ses études. Même Mark, d’emblée dépeint comme un étudiant détaché de ces considérations, n’arrive pas à complètement cacher sa jalousie face à l’enthousiasme d’Eduardo une fois admis. Et c’est précisément ce désir d’appartenance, devenu besoin, qui sera à l’origine du plus grand cercle d’ »amis » sur le web. Une idée de génie, véhiculant des « valeurs » de partage de vie privée et d’amitié  mais dont les créateurs ne s’encombrent pas vraiment dans leur course au pouvoir et à l’argent (Facebook est aujourd’hui coté à 20 milliards de dollars) … un autre aspect de la tradition américaine?

David Fincher filme tout ce monde comme un puzzle socio-juridique mêlant habilement flashbacks et différents points de vue. Ironique, il montre ces surdoués à la recherche de reconnaissance et d’amitiés, de plus en plus isolés et solitaires au fur et à mesure que Facebook rapproche virtuellement le monde. Après la frustration sociale à l’origine de cette mutation informatique mondiale, paranoïa et déloyauté finissent par contaminer ces jeunes geeks, ni idéalistes, ni philanthropes. Le cinéaste réussit un film contemporain sur la jeunesse américaine de plus en plus victime de ses codes, aux valeurs troubles et de plus en plus…déconnectée.

« Alors, toujours pas sur Facebook? » Bah non. « On reste amis quand même? »

Dans « IO SONO L’AMORE » de Luca Guadagnino, Tilda Swinton est Emma Recchi, une bourgeoise milanaise d’origine russe qui tombe amoureuse du meilleur ami de son fils aîné. A partir de cette mince intrigue, Guadagnino filme une passion adultère, presque classique, à travers le prisme des 5 sens de sa figure principale. Emma Recchi est une sorte de Belle au Bois Dormant, endormie et anesthésiée dans une grande villa aux marbres gris avec une famille grise, jusqu’au jour ou elle rencontre Antonio, cuisinier de son état. Et une folle passion de la réveiller, petit à petit, s’emparant de tout son être. Cet amour réveille tous ses sens et avec elle, le spectateur découvre à l’écran une débauche sensorielle éblouissante. Entrecroisant à la fois les ressentis gustatifs, tactiles et visuels d’Emma, Luca Guadagnino invite le spectateur à s’enivrer d’images somptueuses et sensuelles. Lumière, cadrages, musique, tout participe à une immersion totale dans une passion folle. Tilda Swinton, elle, est de tous les plans… éblouissante de justesse et de cette beauté qui lui est si particulière, elle sauve le film dès qu’il bascule dans les pires travers du film d’auteur, entre prétention et dérives esthétiques. Malgré ces défauts, il n’en reste que « Io sono l’Amore » demeure une expérience cinématographique ou l’abandon total est… de rigueur!

« MIEL » de Semih Kaplanoglu relate une tranche de vie, fugace et simple, banale peut-être mais forcément émouvante. Yusuf a 6 ans et vit dans un village dans les montagnes de l’Anatolie entre un père apiculteur et une mère au foyer. Il partage ses journées entre son école et les forêts environnantes ou il aide son père à récolter du miel. En admiration totale de ce père aimant et à l’aise en pleine nature, Yusuf perd rapidement ses moyens et par extension un peu la parole, dès qu’il se retrouve en compagnie d’autres adultes. C’est un enfant secret, un peu fantasque qui vit sur son petit nuage paisible. Kaplanoglu filme ce petit monde avec une infinie délicatesse et avec beaucoup de pudeur; sa mise en scène épurée et dépouillée de toute musique, de dialogues superflus, donne au spectateur l’occasion de ressentir une nature vierge et à l’état pur, entre bruissements de feuilles, échos de vent, bruits de gouttes de pluie…  Une paix inouïe se dégage malgré le drame qui se profile petit à petit; chaque infime bruit animalier,chaque rayon de soleil filtrant entre les denses feuillages plonge le spectateur dans un apaisement serein. Une grâce envoûtante parcourt ce film limpide et élégiaque; on est happé par l’émotion simple et cristalline qui se dégage de cette histoire contemplative. « Miel » est une balade mélancolique, loin de toute esthétique bucolique, mais au plus près d’une expérience sensorielle inédite ou le simple son son d’une source qui coule ou le reflet de la lune dans un seau d’eau finissent par apaiser et émerveiller.

« MIEL » Réalisé par Semih Kaplanoglu

Avec Bora Atlas, Tulin Ozen

Long-métrage turc. Genre: Drame

Durée 1h43 min Année de production : 2010

« SEX & THE CITY 2″

En 1998, Carrie Bradshaw apparaissait pour la 1ère fois sur le petit écran de HBO. L’héroïne de la série devenue depuis cultissime, Sex & the City, sortait le format de la série télévisée de sa torpeur & d’un côté politiquement correct dont souffrait la télévision américaine. A travers ses pérégrinations amoureuses & sexuelles ainsi que celles de ses copines Samantha, Charlotte & Miranda, Carrie devint au fil des 6 saisons de la série une icône d’humour , de mode et de « cool », l’incarnation de la femme New-Yorkaise branchée, à la fois fleur bleue et sex-symbol.

Depuis l’arrêt de la série en 2004, on a eu droit à un film sorti en 2008 qui malgré un scénario bancal et édulcoré fut un succès mondial reposant presque uniquement sur le plaisir de retrouver les 4 héroïnes de la série réunies à nouveau. 2010, Sex & the City 2 teste la patience et la fidélité de beaucoup de fans de la série…

C’est surtout et avant tout un film indigeste. Là où la série brillait par son humour grinçant, aigre-doux et son portrait frais et moderne de la femme américaine, le 2ème film se complaît à ensevelir ses personnages mythiques sous des tonnes de dialogues du plus mauvais goût, d’extravagance(s) scénaristiques pour le moins suspectes.

Carrie n’est désormais plus une « célibattante ». Elle n’a plus à s’affamer pour une paire de Louboutins, n’a plus à relater ses déceptions amoureuses avec son Mister Big, prétextes à des épisodes savoureux de la série. La Carrie de 2010 est une Desperate Housewife classique à la seule différence que sa banlieue à elle est la 5th Avenue de Manhattan et que ses soucis quotidiens se résument à bien organiser son immense garde-robe griffée. Elle n’est pas le seul personnage à avoir perdu de sa substance avec cette 2ème transposition cinématographique; ses 3 amies ne sont plus que l’ombre de ce qu’elles étaient dans la série, réduites à des rôles-accessoires, servant de portants pour les différentes marques de luxe qui « sponsorisent » le film. Les hommes de la série se retrouvent ici en objets décoratifs, entre une robe Dior et une montre Rolex, une présence animée presque muette.

Passons sur la 1ère partie du film, prétexte à un mariage gay des plus kitsch (avec Liza Minelli en guest-star, c’est dire…); On aurait pu être beaucoup plus indulgent si ce n’était cette fausse bonne idée que le créateur de la série a eue pour ce 2ème film: transporter nos 4 « fabulous girls » à Abu-Dhabi, là où  »les gens sont encore riches ». La crise étant passée par là, il fallait bien troquer New York par une autre ville ou pays ou le bling-bling serait toujours légal et même encouragé… Carrie se retrouve confrontée à la culture arabe dans tout ce qu’elle peut représenter d’ostentatoire (les hôtels de luxe de la taille d’une ville…) de faussement exotique (les souks, en réalité filmés en Tunisie) et de répressif (la condition de la femme arabe: voilée, oui, mais avec du Vuitton sous sa burqa). Le tout filmé avec la sensibilité et l’humour d’un épisode bien raté de Melrose Place.

Bien entendu, Sex & the City 3 sera bientôt mis sur les rails, même si le succès du 2ème épisode a été en-dessous des attentes de Hollywood. Carrie partira-t-elle en safari de luxe en Afrique où elle rencontrera des locaux fashion malgré la famine?  Fera-t-elle un pèlerinage à la grande Mecque de la Mode , Milan pour se ressourcer.. Peut-être fera-t-elle don de ses Jimmy Choo à une société caritative?  Ou par miracle, retrouvera-t-elle enfin un peu de son âme, cette fibre qui fit de Carrie Bradshaw le personnage le plus drôle, politiquement incorrect et à la fois émouvant de la fin des années 90…. Malheureusement, rien ne semble aussi moins sûr.

« INCEPTION »

Au début, Christopher Nolan a eu une idée. Diaboliquement simple. Et cette idée, nourrie, enrichie et travaillée pendant une dizaine d’années a abouti à un film d’idées, complexe et labyrinthique : « Inception »… Ou comment faire d’un concept retors et fascinant un film grand public accessible et haletant.

« Inception » veut dire « commencement » ou « origine ». Au début, Leonardo Di Caprio explique ce concept de l’idée, humaine, qui germe et grandit, se propage, contamine l’esprit et finit par obséder, voire même caractériser une personne. Son personnage Dom Cobb est un voleur d’idées, un espion industriel d’un genre nouveau, capable de naviguer dans les rêves, le subconscient des autres, pour en « extraire » une information confidentielle. Il rapplique pour une dernière mission pour un riche industriel Japonais, malgré l’idée qui l’obsède et qui ne cesse de ronger son subconscient (et par conséquent saboter la mission): Mal, son épouse décédée.

La première qualité d’ »Inception » est son originalité. La production Hollywoodienne grand public actuelle n’étant plus que gros blockbusters musclés et creux ou énièmes suites au goût de réchauffé et sans inspiration, le film de Nolan fait figure d’un agréable, et surtout nécessaire, retour à une valeur fondamentale du cinéma: surprendre son public. Son scénario part d’un vieux cliché cinématographique : la dernière mission presque impossible d’un mercenaire qui veut tout abandonner pour retrouver une vie normale. Les autres ingrédients qui gravitent autour de l’anti-héros sont comme à l’accoutumée, la femme fatale et mystérieuse, la bande hétérogène de voleurs-acolytes fidèles.

Mieux vaut partir d’un cliché plutôt que d’y arriver! Et Nolan, en virtuose de puzzles scénaristiques, enveloppe le cliché de faux-semblants, de fausses pistes logées entre rêve et réalité, le retourne dans tous les sens pour créer une nouvelle histoire riche en émotion autant qu’en action et qui se dévoile au fur et à mesure tel un malicieux jeu de poupées russes. Le thème du subconscient lui  permet aussi de mettre en abyme autant les espaces (magnifiques jeux de miroirs dans Paris) que le temps (les distorsions temporelles de la scène haletante d’un van qui tombe à l’eau). Son audace est aussi de réussir à mélanger les genres avec une aisance étonnante: film noir, d’action, romance… aucun genre ne cannibalise l’autre mais tous fusionnent harmonieusement.

Par moments, sa caméra fluide et précise flirte avec des longueurs qui ne semblent nécessaires que pour remplir le cahier des charges des producteurs: certaines scènes d’action, spectaculaires néanmoins, pouvaient aisément être raccourcies. Sa précision d’ailleurs, le dessert parfois un peu; dans un film où onirisme et fantasme sont la matière même du film, l’aspect très architecturé (dans le fond comme dans la forme) de l’ensemble fait parfois regretter de ne pas sentir un peu plus de folie incontrôlable. En cela, le seul élément imprévisible et réellement déroutant est le personnage de Marion Cotillard, magnifique de justesse: idéalement prénommée Mal, elle sème un malaise diffus et vénéneux qui est plus que bienvenu dans ce rêve.

Il n’en reste qu’ « Inception » , film d’auteur inspiré et déguisé en blockbuster, est un excellent remède à la médiocrité banalisée des productions américaines. Tentant une approche plus conventionnelle que son chef d’oeuvre « Mémento », mais moins noire que son précédent opus « Batman: The Dark Knight », Christopher Nolan a réussi un dédale de rêves dont, à l’image du plan final, on n’a pas envie de se réveiller…

Elles sont en Egypte: Et plus précisément au Caire dans « Femmes du Caire » de Yousry Nasrallah. Une journaliste TV ambitieuse et « occidentalisée » découvre la triste réalité de ses compatriotes. En racontant des histoires vraies de femmes, tous milieux sociaux confondus, dans son talk-show, elle révèle peu à peu la difficile condition de la majorité des Egyptiennes pour qui la liberté ne se traduit même plus par indépendance financière mais de manière plus tristement pragmatique : la « protection » masculine. A la manière d’un conte en triptyque raconté par Shérazade (titre original du film), Nasrallah tisse ces histoires avec suspense, rebondissements & émotion(s). Sa réalisation reste fluide de bout en bout & à la surprise du spectateur, révélatrice d’une grande sensualité, magnifiée à l’écran par des actrices toutes d’une grande justesse. Politique et engagé, son film l’est rien que parce qu’il dévoile les faux-semblants d’émancipation qui régissent encore la société Egyptienne contemporaine.

Aux Philippines: Brillante Mendoza, amateur de films controversés généralement présentés à Cannes, revient avec « Lola », chronique on ne peut plus touchante de 2 grand-mères (ou « Lola »s en philippin) à Manille. L’une pleure son petit-fils, tué par celui de l’autre. Dans une Manille en proie à des pluies torrentielles, chacune se bat pour réunir l’argent nécessaire: un enterrement digne pour le petit-fils mort & une caution judiciaire pour le petit-fils emprisonné. La caméra les suit au plus près de leur rythme, anxieux et fébrile: dans leurs déplacements dans les méandres de Manille, leur quête auprès de parents & amis afin de réunir les sommes nécessaires, dans leur quotidien fait de petites joies et de grandes peines. Mendoza ne cherche jamais à occulter la pénibilité de leur entreprise ni l’extrême pauvreté et désespoir qui les entourent. On ressort de ce film à la lisière du documentaire, ému et attendri par ces deux « Lolas » fragiles mais tellement dignes face à la précarité et l’adversité.

Et au 16ème siècle, en Hongrie, c’était comment pour elles? Julie Delpy dévoile enfin son projet long en gestation « La Comtesse ». La comtesse est Erzebeth Bathory, née en 1560 en Hongrie et laissant après sa mort  une réputation, voire légende, de femme extrêmement sanguinaire et meurtrière à tel point qu’elle fut surnommée La Comtesse Dracula. Delpy se penche sur cette légende et essaie de lever le voile sur l’histoire de cette femme noble et, chose rare, financièrement indépendante à la mort de son mari. Elle adopte un point de vue résolument féministe et féminin en dépeignant une femme de caractère dans la Hongrie du 16ème siècle, libre et cultivée, une équation destinée à attirer envies et jalousies de ses contemporains. Entre complots et trahisons, Bathory, aveuglée par sa peur de vieillir et son amour pour un jeune homme de 20 ans son cadet, sombre peu à peu dans une folie meurtrière au grand bonheur de ses ennemis. On aurait vraiment aimé que Delpy ait plus de moyens pour raconter cette histoire fascinante. Cela se ressent dans les décors, les costumes et même certains choix de casting. Par moments, elle réussit des passages mêlant folie et grotesque avec maestria, mais son scénario souffre souvent d’un manque de souffle et cantonne ses acteurs à réciter plus qu’à incarner de vrais personnages. Julie Delpy réussit néanmoins à faire d’une figure mythique, un portrait de femme pour le moins intrigant: pas mal quand on a zéro budget!

Emmanuelle Seigner n’est peut-être pas une grand actrice, mais pas mauvaise non plus. Mme Polanski à la ville, Seigner a une filmographie assez déroutante faite de films d’auteur et de grands ratages. Sa carrière musicale n’a jamais été un véritable plan de carrière mais plutôt un moment de détente et de folie douce. Après un 1er album en collaboration avec le groupe français Ultraorange, elle sort un album solo début février 2010 intitulé « Dingue » aux accents très pop & résolument sixties. Le clip de son 1er single intitulé « Dingue »,est pour le moins… déconcertant. Le mini-film a des allures de fausse comédie musicale, a un humour à froid très second degré et surprend parce qu’il est tout simplement filmé  dans les couloirs d’un aéroport: un véritable exploit de nos jours vu les mesures restrictives qui y sont imposées (Dingue…!)   La chanson est d’une légèreté virevoltante, portée avec flegme et insouciance par la voix d’Emmanuelle Seigner. On regrette cependant la photo un peu triste et impersonnelle du clip et une chorégraphie par moments figée gâchant l’aspect régressif de cette chanson sans prétention et à la mélodie entêtante.

Emmanuelle Seigner – Dingue
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Zooey Deschanel est surtout connue pour avoir été la « It-girl » du moment. De plusieurs moments en fait. Depuis ses 1ers films indépendants (All the real girls, The Good Girl) en passant par le ratage phénoménal « The Happening » de Shyamalan, et jusqu’à « 500 days of summer » l’année dernière, on attend de la voir exploser au cinéma depuis bientôt 8 ans.. En attendant, Zooey pousse la chansonnette avec son pote « songwriter » M.Ward sous le nom de She & Him. Cela donne une pop, très sixties aussi, lorgnant du côté de la Californie des Beach Boys ou des Mamas & The Papas. Sa voix, chaude et solaire est simple et sans artifice, suivant nonchalamment des mélodies rétro, très sucrées. « Why do you let me stay here » est le 1er single tiré de l’album « Volume 1″ (le « Volume 2″ est sorti fin Mars 2010). Le clip, lui, se passe de commentaire tant il est VRAIMENT bizarre…  Dessins animés, violence(s), mort(s) morbide(s), cowboys, fantômes et la jolie frimousse de Zooey…

Juliette Lewis n’est plus une jeune 1ère, mais elle l’a été avec brio: « Cape Fear » de Scorsese, « Natural Born Killers » d’Oliver Stone, ses débuts de carrière ont été pour le moins explosifs! …Puis une carrière en demi-teinte faite de films plus inoubliables les uns que les autres. Mais Juliette a depuis longtemps l’amour de la musique et du rock en particulier et c’est en 2003 qu’elle forme son groupe: Juliette & the Licks. Hum. Le groupe reste largement (et volontairement) underground; leur musique, furieuse et nerveuse accompagne le timbre enragé de Juliette, qui se révèle une vraie bête de scène en concert. Néanmoins, de sa carrière d’actrice, elle a visiblement décidé de garder le kitsch, l’humour potache et les costumes délirants rappelant un Ed Wood ou un Roger Corman: pour finir en beauté, voici « Sticky Honey » de l’album « Four on the floor », rigolo petit film, sorte de pastiche de la carrière ratée de Juliette (?)

Ce devait être une équation mathématique simple, infaillible: Tim Burton + Alice au pays des merveilles / Lewis Caroll = chef d’œuvre. Le réalisateur le plus étrange et décalé de Hollywood à la rencontre de l’univers le plus absurde et fantaisiste de la littérature enfantine: une promesse qui faisait rêver plus d’un cinéphile.

Alors pourquoi cette déception? Pourquoi un film lisse, sans relief, … aseptisé?

Tim Burton est devenu au fil des années l’exception à la règle à Hollywood: sa graine de folie douce(-amère) a déteint sur la plupart de ses films. De « Beetlejuice » à « Sleepy Hollow », son univers onirique, teinté d’angoisse(s) et de cauchemar(s), gothique et dérangé a trouvé un public beaucoup plus large que prévu, à la grande surprise des studios américains. Il a transformé un des symboles des héros US, Batman, en justicier torturé et mélancolique, ruiné Noël (L’étrange Noël de Mr Jack), tué des Américains (Mars Attacks!) : un sacré exploit dans l’Amérique puritaine!

Dans « Alice … » on retrouve parfois un peu de la magie passée: les habitants du pays des Merveilles sont littéralement tordus: La Reine Rouge a la tête disproportionnée, son valet, un corps étiré, les yeux de Johnny Depp en Chapelier Fou, agrandis et par conséquent …plus déments. Un beau travail a été effectué grâce à une technologie de pointe pour exacerber l’étrangeté du monde dans lequel échoue Alice. Certains décors rappellent les cauchemars « Burtoniens » passés par leurs éléments biscornus et effrayants. Mais on sent que le réalisateur se plie souvent aux exigences de Disney, qui produit le film: du spectacle, du spectacle et encore plus de spectacle. Ainsi, le récit initiatique de cette jeune Alice face à son destin et à son identité de jeune femme (idée intéressante que d’enrichir le personnage mythique des livres de Lewis Caroll) sombre peu à peu dans la surenchère visuelle: monstres numériques impressionnants, décors toujours plus grandiloquents… jusqu’au final presque calqué sur certaines scènes du « Seigneur des Anneaux ».

Le scénario gomme bien entendu tout élément subversif au détriment d’une trame plus sage et policée: exit toute fantaisie suspecte et absurdités en tous genres. Les acteurs, par contre s’adonnent complètement à la folie ensevelie de leurs personnages respectifs: Helena Bonham-Carter est délicieuse en Reine Rouge despote, Johnny Depp ne surprend presque plus tellement il est devenu un habitué des délires de Burton et Anne Hathaway est une réelle surprise comique en Reine Blanche maniérée et un peu nunuche.

Cette nouvelle Alice avait vraiment tout pour elle… mais entre un cahier des charges de production lourd de règles et un réalisateur un peu bridé dans ses élans créatifs, elle finit par s’éloigner du voyage auquel la prédestinait son auteur originel: la liberté à travers l’imagination, le rêve  et la fantaisie…